Hecho En Brasil: Arte actual brasileño

ANA REY. Nació em Córdoba, Argentina. Profesora de Castellano, Literatura y Latin. Vive y trabaja em San Pablo, Brasil, desde 1994.

Realizó exposiciones individuales como la reciente “Aqui mesmo onde me encontro”, en el Ateliê Ale, Brooklin, SP (2022), en la Pinacoteca de São Bernardo do Campo, SP (2016), Estado em Suspensão en el Centro Cultural del Solo Sagrado de Guarapiranga de la Fundación Mokiti Okhada, SP (2015), Obra-Dobra en ABRA (Academia Brasilera de Arte), Vila Mariana, SP (2011). Recibió premios en el 26º Salão de Artes Plásticas de Praia Grande (2019), SP, en el 38º Salão de Arte Contemporânea Luiz Sacilotto, Santo André, SP (2010) y fue Mención Honrosa en el 76º Salão de Artes Plásticas “Antonio Rodini”, Araras, SP (2015). Tiene trabajos em colecciones públicas de la Prefeitura de Praia Grande, SP y de Santo André, SP. Participó de diversas colectivas, entre ellas: Participó de diversas colectivas nacionales e internacionales, entre ellas: Exposição de Pequenos formatos na Galeria Monumental, Lisboa, Pender de um hilo, arte postal, España, Las Horas, Valdemorillo, Madrid, España, Experimentando um olhar de criança em nós, no Move Arte, Brooklin, SP (2024) VI Bienal do Sertão, Cariri, Ceará, BR, Das Pedras ao Jardim, passagens, Brooklin, SP, CompartiArte, Centro Britânico Brasileiro, Pinheiros, SP, O Que Ancora, Samba Arte Contemporânea, RJ, Eu era ao Longe, em la galeria New Gallery, Pinheiros, SP, Ocupa Fasam, na Arte Fasam Galeria, em Pinheiros, SP. 14º Grande Exposição de Arte Bunkyo, Liberdade, SP (2022). Plantão. Ateliê 397, Barra Funda. Se Todas as Rosas Desaparecessem. New Gallery Art Contemporary. Pinheiros, SP. Experiências do Tempo. Brooklin. SP. A6_murals_worldwide project. Publicación coletiva e internacional de artistas. Proyecto de Lydia Wierenga. Holanda (2021). Sección Planta, Hermes Artes Visuais, Ch.ACO, Santiago de Chile, Chile, Anatomia de uma Convivência en la Galeria Rabieh, Cerqueira César, SP. No Dia Primeiro, No Nono Andar en la galeria Lamb Arts, Jardins, SP (2019); Entre o Micro e o Macro é a Distância que Habito, en la Galeria Fresta. Vila Madalena, SP (2018); Reconstrução, em el Espacio Contraponto55, Vila Madalena, SP (2017), Entrevidros, el el Salão de Exposições do Paço Municipal de Santo André, SP (2016), Solo 10, em el Centro Cultural Solo Sagrado de Guarapiranga de la Fundação Mokiti Okhada, SP (2013). 26º Salão de Artes Plásticas de Praia Grande. Praia Grande. SP, 51º SAC Salão de Arte Contemporânea de Piracicaba. Piracicaba. SP (2019); 76º Salão de Artes Plásticas Antonio Rodini (2015). Araras. SP. Arte Londrina 4. Londrina. PR; Salão de Artes Visuais de Vinhedo 2015; 14º Salão Nacional de Arte de Jataí. MAC. Jataí. GO (2015). Participó de residencias Internacionales como Residencia de Artistas Internacional Mango con exposición en Puertas Adentro, Punta del Este, Uruguay y de Kaaysá Art Residency, Boiçucanga, SP (2019)

Estados Nebulosos es el título de la serie de acuarelas en las que pretendo aludir, de manera poética, a elementos de la naturaleza como el agua, el cielo, las nubes, la flora y la fauna, y a fenómenos naturales. El elemento gráfico aparece en forma de líneas o cuadrículas incompletas o sin soporte. Utilizo recursos como juegos de positivo y negativo, formas recortadas, duplicadas o ambiguas. No hay un horizonte de fácil determinación.

La urbanización acelerada y no siempre bien planificada, especialmente en las grandes ciudades como São Paulo, la ciudad donde vivo, ha causado consecuencias bastante preocupantes para el planeta. Innumerables ejemplos como inundaciones devastadoras, sequías intensas, contaminación de ríos y mares, deforestación de grandes áreas, entre otros, son cuestiones que comprometen la vida del planeta. Visualizar con claridad el problema desde una perspectiva humana, humanitaria y cambiar actitudes, es una urgencia.

Binário Armada es un artista cearense, actualmente radicado en San Pablo. Autodeclarado indígena en contexto urbano, combina diversas técnicas en sus artes plásticas como collage de materiales reciclados, bordado, estarcido, acuarela y rolhagravura (técnica que él desarrolló para esculpir sellos en corchos). Participó en la Bienal de Arte Naïf del Sesc Piracicaba en 2020 y en la exposición colectiva San Pablo Invisível (2020). En 2023 realizó su primera exposición individual en Fortaleza, en la Galería Leonardo Leal. Fue reconocido como uno de los 25 destacados en la feria SP-Arte (2023) por la curaduría de la revista Philos. Participó en la exposición “¿Y el Payaso Quién Es?” en el Paço das Artes (2024).

Binário Armada es un artista brasileño nacido en 1979, quien de manera contemporánea crea escenarios y personajes oníricos que traen al mundo moderno un llamado ancestral.

Declarado indígena, actualmente vive en un contexto urbano (nació en Fortaleza, pero se estableció en la megalópolis de San Pablo desde 2006). Binário Armada ha sufrido un profundo proceso de apagamento de sus raíces históricas y ancestrales, una situación que refleja la historia misma del pueblo originario brasileño desde los tiempos de la colonización.

En sus obras, Binário Armada denuncia sutilmente los derechos negados por el colonialismo y la tentativa de eliminar creencias y leyendas, buscando recrear lo que serían su tribu y sus ancestros, tal como le fueron contados a través de las historias de su madre y tías.

Su narrativa atraviesa la ancestralidad y nos hace reflexionar sobre la profunda conexión indígena con la tierra y la aldea, así como la búsqueda constante por sentirse en casa. De aquí surgen elementos esenciales de su obra, como los “Aba-ocas” (traducción libre del tupí-guaraní “Hombre-casa”, personajes con cabezas de casa), y el místico y las leyendas representados por los “Encantados”, personajes con apariencia antropozoomórfica.

Además de ser músico profesional, Binário Armada transpone a papel la música, las danzas y personajes que invocan la ancestralidad y los elementos de la naturaleza a través de sus rituales.

Otro componente de las obras de Binário Armada es el Códex Mokōî Ygarussu, una escritura imaginaria creada por el artista. Como parte de su proceso para llenar los vacíos de su pasado, el artista, quien siempre ha sentido fascinación por las letras, los alfabetos de civilizaciones antiguas y los símbolos, desarrolló su propio lenguaje, el Îagüarype, en honor al río Jaguaribe, que significa “en el río de los jaguares”.

Utilizando el papel como principal soporte (aunque también trabaja en lienzo), el proceso creativo de Binário Armada consiste en crear numerosas capas y emplear diversas técnicas para construir su mundo utópico. A partir de superposiciones, pegando y arrancando elementos como páginas de libros antiguos, sellos de cigarrillos, materiales reciclados y cuadernos escolares, Binário Armada llena el papel para que no quede ninguna parte en blanco. Posteriormente, utiliza una mezcla de acuarela, gouache y tinta china diluida para dar forma a las figuras que vemos en sus obras.

El artista también emplea la técnica de rolhagravura, que consiste en esculpir sellos en corchos de botellas de vino. Cada corcho tiene su propia identidad, siendo esta técnica identificable principalmente en los elementos de flora recreados en sus obras, lo que proporciona un resultado único para cada cuadro.

Además, las obras incluyen bordados de diferentes formas, así como la propia huella digital del artista (un detalle que utiliza para garantizar la autenticidad).

Llenas de ricos detalles y elementos pequeños, visibles solo para aquellos que dedican tiempo a observar detenidamente su trabajo, las obras de Binário Armada han ganado gran reconocimiento en ferias de arte y exposiciones en Brasil.

Christina Elias
San Pablo, 1978.

Artista que trabaja en los límites entre la danza, artes visuales y literatura. En su proceso, la performance del movimiento se expande hacia otras medios: fotografía, video, instalación y otros objetos de arte son extensiones de su práctica y discurso corporal, que se desarrolla a partir de la danza contemporánea y el Butō. Su investigación abarca el lenguaje y sus diversos medios, así como sus construcciones y deconstrucciones. Sus temas principales son el paso del tiempo, la caducidad del cuerpo y los objetos, lo femenino y sus relaciones con el tiempo doméstico cotidiano y el tiempo subjetivo. Ha realizado numerosos trabajos individuales y proyectos relacionales en museos y galerías de Brasil y Europa, como el Museo de la Lengua Portuguesa (San Pablo), Museo de Arte Moderna de San Pablo MAM-SP, Museo de la Imagen y del Sonido de San Pablo MIS-SP, Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de San Pablo MAC-USP, MAXXI Roma, Studio Stefania Miscetti (Roma), Radialsystem (Berlín), Uferstudios (Berlín), entre otros. Ha participado en festivales de performance y danza en Brasil, Europa y América del Norte, como PLATAFORMA BERLÍN, DANCE EM FOCO RIO DE JANEIRO, MIRADA IBERO FESTIVAL AMERICANO DE ARTES PERFORMATIVAS SESC SANTOS (BRASIL), BUMP´N GRIND TORONTO, y ha recibido importantes premios como FUNARTE MULHERES NAS ARTES VISUAIS, Aldir Blanc – PROAC por el HISTÓRICO DE CARREIRA, entre otros. Posee una Maestría en Estudios del Movimiento de la Royal Central School of Speech and Drama (Londres, 2011), un Doctorado en Diseño por la Universidad Anhembi Morumbi (San Pablo, 2020), y un Postdoctorado en Comunicación y Semiótica – Artes del Cuerpo por la Pontifícia Universidade Católica de San Pablo (PUC-SP, 2021). Fue asistente trainee de la coreógrafa Sasha Walz en la creación de la ópera danzante Matzukaze (2010), y colaboró y estudió con artistas de Butō como Minako Seki y Yuko Kaseki (Berlín) y Tetsuro Fukuhara (Tokio). Sus obras están presentes en algunas colecciones públicas y privadas, como el Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de San Pablo (MAC-USP), el Museo de Arte de Ribeirão Preto (MARP), el Museo de Arte Universitario de la Universidad Federal de Uberlândia (MUNA), y la colección Luciano Benetton.

Como artista multidisciplinar, mi obra vive en la confluencia entre danza, artes visuales y literatura. Creo en la capacidad del cuerpo de ser un túnel por donde pasan emociones e ideas, un lugar donde lenguajes distintos no solo coexisten, sino que también se entrelazan y se transforman mutuamente.

Mi práctica artística se alimenta de la exploración continua de cómo el movimiento corporal puede ser capturado, distorsionado y reinterpretado a través de diferentes medios: performance, fotografía, video o instalación.

La integración de objetos de arte en mi obra no es solo decorativa, sino una extensión del cuerpo, creando diálogos y tensiones entre lo orgánico y lo inanimado. Cada pieza que creo es una investigación sobre cómo los objetos pueden servir como registros y resultados de la acción del cuerpo, influyendo o siendo influenciados por el movimiento y la presencia física.

Estoy constantemente en busca de nuevas formas de expresión que desafíen las fronteras tradicionales de las disciplinas artísticas. Mi arte es una invitación para que los observadores entren en un espacio donde las formas se disuelven y las experiencias sensoriales se amplifican, un terreno donde el arte no solo se ve o se escucha, sino que se siente, se vive y se respira.

Claudia Kiatake nació en 1970 y actualmente vive y trabaja en San Pablo, Brasil, donde mantiene su taller en Vila Madalena. Su formación académica incluye una licenciatura en Publicidad y Marketing por la ESPM en 1992, seguida de estudios en Dibujo y Pintura en la Escuela Panamericana de Artes en 2006, y clases secuenciales en la Licenciatura en Artes Plásticas por la Facultad Armando Álvares Penteado (FAAP) en 2011.

Además de su formación formal, Claudia Kiatake ha invertido en diversas actividades complementarias para desarrollar su carrera artística. En 2021, participó en el programa de desarrollo para artistas CasaTato4 y en un núcleo de discusión y construcción de portafolio coordinado por Bruno Novaes y Julia Lima. Entre 2016 y 2021, profundizó sus conocimientos en Historia del Arte y Arte Contemporáneo con Julia Lima a través de IntheKnow. Otras experiencias incluyen la práctica de Shodô (caligrafía japonesa) con Shunkun, Edson Ito, y un curso libre de escultura orientado por Nicolas Vlavianos en la FAAP en 2012.

Kiatake tiene un amplio portafolio de exposiciones, publicaciones y obras públicas. En 2024, participó en exposiciones colectivas en Imaginário Galería en Buenos Aires, Argentina, y en la galería Diáspora en San Pablo, Brasil, además de una exposición titulada SOMBRAS-LUZES junto a la artista Cristina Suzuki y el curador Allan Yzumizawa. En 2023, realizó una exposición individual en la Galería Galpão 566 en San Pablo. Su obra estuvo presente en la Gran Exposición de Arte Bunkyo en 2022 y 2012, y en otras colectivas e individuales a lo largo de los años, tanto en Brasil como en el exterior, incluyendo la Latin Contemporary Art Advisory NY en Miami, EE.UU.

Sus creaciones también se encuentran en colecciones privadas y obras públicas, como las instalaciones “Andarilhos” y “Flor Urbana” en la Avenida Brasil en San Pablo, y sus obras fueron publicadas en el libro “Escultores Brasileños” de Decorbook con curaduría de Sonia Skroski. Kiatake continúa explorando nuevos conceptos y soportes en sus creaciones, movida por una búsqueda incesante de nuevas formas de expresión artística.

Produzco pinturas abstractas utilizando cera de vela, tinta china, acuarela, pigmentos y tela sobre lienzo, papel de algodón o papel japonés washi; así como esculturas en varios soportes como cobre, acero corten, acero inoxidable, madera, entre otros materiales.

El hilo conductor de mis obras es el movimiento gestual. Actualmente investigo conceptos de la estética japonesa como lo efímero, lo vacío y lo sutil, relacionados con mi ancestralidad, proponiendo el rescate y la apropiación de la cultura de origen de cada individuo.

Su formación artística se dio a través de grupos de estudio, cursos y tutorías, donde incorporó un vocabulario plástico a su carrera como artista. Su trabajo se desarrolla desde la perspectiva de la línea, transformando sus movimientos en imágenes que se expresan a través del dibujo, la pintura, la fotografía, el video y la performance.

Su investigación abarca el caminar y el dibujo como temas centrales en su producción. A cada paso incorpora recuerdos, aprendizajes y rasgos de un niño activo, inquieto y curioso, que emergen desde los primeros tiempos en Bahía. Su persona es una mezcla de los territorios que atraviesa, en una fusión que moldea su percepción del mundo. Entiende los entornos por los que pasó y vivió como bases por las que circula, en un movimiento de pertenencia constante. Es su forma de leer y delinear su entorno. Expuso individualmente en Alê Espaço de Arte y Casa Fluida, además de haber participado en numerosas exposiciones colectivas en Madrid, Araraquara, Atibaia y San Pablo.

El andar y su diseño son temas centrales en mi trabajo. Hay algo sutil que me atrae durante los paseos, un lenguaje que resuena más allá de las cosas y de las palabras pronunciadas. A través de la óptica de la línea, transformo huellas en imágenes que se expresan mediante el dibujo, la pintura, la fotografía, el video y la performance.

En la danza entre el lápiz y los desplazamientos, encuentro mi fuente de inspiración. A cada paso, incorporo memorias, aprendizajes y trazos de un niño activo, inquieto y curioso, que emergen desde los tiempos más remotos en Bahía. Soy una mezcla de los territorios que me atraviesan, en una fusión que moldea la percepción que tengo del mundo. Comprendo los ambientes por los cuales he pasado y vivido como bases que circulo, en un movimiento de pertenencia constante. Es mi manera de leer y delinear el entorno.

Anhelo fisuras y escapes en los entendimientos establecidos, provocando al observador a encontrarse con aspectos inexplorados de sí mismo. Me siento impulsado a esbozar nuevos conceptos y soportes en cada creación, como si la propia esencia del arte me moviera en esta búsqueda incesante de nuevas formas de expresar quién soy.

Artista y cineasta contemporáneo, con notable trabajo en diversos medios, como video, cine, instalación, fotografía y curaduría. Reconocido internacionalmente, su obra transita entre el cine y las artes visuales, abordando temas sociales, políticos, culturales y migratorios, además de explorar el concepto de fronteras y experimentos lingüísticos. Con una carrera que abarcó Londres, Roma y Berlín entre 1987 y 2016, participó en importantes eventos artísticos, entre ellos la Bienal de Venecia, la Bienal de Sharjah y la Bienal de Curitiba, así como exposiciones en museos de renombre como MAXXI y MACRO en Roma, y Whitechapel. Galería en Londres. En los últimos 20 años, ha recibido más de 70 premios, becas y reconocimientos en 47 países, entre ellos el Premio Brasil de Arte Contemporáneo (2010) y el Premio Globo Tricolore (2012). Su trabajo también se extiende a la curaduría y producción cinematográfica, habiendo realizado y curado exposiciones en diferentes partes del mundo, además de haber dirigido el documental “GLAUBER, CLARO” (2021). Con fuerte presencia en la escena artística brasileña e internacional, sus obras están presentes en colecciones públicas y está representado por galerías en Italia y Alemania. Después de 27 años en el extranjero, regresó a San Pablo en 2016, donde reside y continúa su prolífica producción artística.

NO_PLACEMENT (sin ubicación / sin colocación) es una obra sobre la era de la disolución sistemática de la sociedad contemporánea. En una época de incertidumbres, de aislamiento sistemático, de aceleracionismo, de disputa de narrativas, la obra problematiza y reflexiona sobre la vida pospandémica, donde la configuración mental de los mercados financieros ha sustituido la concreción de la producción por la abstracción financiera, imprimiendo en el resto de la sociedad un pensamiento desconectado de lo real. La videoinstalación THIS_PLACEMENTS se transforma en NO_PLACEMENTS, una acción puramente digital y doméstica que rompe fronteras a través de la imaginación, buscando un contacto real o al menos comprender un nuevo concepto de contemporaneidad.

En contraste con las proyecciones de la obra de 2011, César Meneghetti propone 4 videos remixados/retrabajados y 4 obras fotográficas. En estas, el flujo electrónico se reproduce en todo el espectro cromático, impresionando con el paisaje digital inexistente. En este nuevo trabajo, se añadieron imágenes de otras cuatro ciudades: São Paulo, Roma, Keita y Hong Kong al original de 2011.

Occidente y Oriente, norte y sur del mundo adquieren aquí una nueva dimensión. Aglomerados urbanos, personas, detalles se superponen y se rarefaccionan hasta convertirse en puro flujo. Las ventanas por las que vemos el mundo nos lo hacen percibir distorsionado, a partir de las herramientas que usamos para observarlo, en una dimensión aún más dividida entre la esfera familiar/doméstica y la relacional/del trabajo.

Es una obra que describe la disolución del artista nómada en el mundo líquido pospandémico, introduciendo una nueva era de hiper-no-lugar, donde la realidad es evocada por el modo de utilización de la técnica y de la imagen, y sobre todo donde la “Forma es un contenido sociohistórico decantado”.

Su formación artística se dio a través de grupos de estudio, cursos y tutorías, donde incorporó un vocabulario plástico a su carrera como artista. Su trabajo se desarrolla desde la perspectiva de la línea, transformando sus movimientos en imágenes que se expresan a través del dibujo, la pintura, la fotografía, el video y la performance.

Su investigación abarca el caminar y el dibujo como temas centrales en su producción. A cada paso incorpora recuerdos, aprendizajes y rasgos de un niño activo, inquieto y curioso, que emergen desde los primeros tiempos en Bahía. Su persona es una mezcla de los territorios que atraviesa, en una fusión que moldea su percepción del mundo. Entiende los entornos por los que pasó y vivió como bases por las que circula, en un movimiento de pertenencia constante. Es su forma de leer y delinear su entorno. Expuso individualmente en Alê Espaço de Arte y Casa Fluida, además de haber participado en numerosas exposiciones colectivas en Madrid, Araraquara, Atibaia y San Pablo.

El andar y su diseño son temas centrales en mi trabajo. Hay algo sutil que me atrae durante los paseos, un lenguaje que resuena más allá de las cosas y de las palabras pronunciadas. A través de la óptica de la línea, transformo huellas en imágenes que se expresan mediante el dibujo, la pintura, la fotografía, el video y la performance.

En la danza entre el lápiz y los desplazamientos, encuentro mi fuente de inspiración. A cada paso, incorporo memorias, aprendizajes y trazos de un niño activo, inquieto y curioso, que emergen desde los tiempos más remotos en Bahía. Soy una mezcla de los territorios que me atraviesan, en una fusión que moldea la percepción que tengo del mundo. Comprendo los ambientes por los cuales he pasado y vivido como bases que circulo, en un movimiento de pertenencia constante. Es mi manera de leer y delinear el entorno.

Anhelo fisuras y escapes en los entendimientos establecidos, provocando al observador a encontrarse con aspectos inexplorados de sí mismo. Me siento impulsado a esbozar nuevos conceptos y soportes en cada creación, como si la propia esencia del arte me moviera en esta búsqueda incesante de nuevas formas de expresar quién soy.

Desde 2012, Edu Silva realiza exposiciones individuales, destacándose: Corolario, en la Galería Luis Maluf, en São Paulo, Brasil (2022); Autorretrato, en la Galería Vértice, en São Paulo, Brasil (2019); Mestiçagem, en la CasaGaleria Oficina de Arte, en São Paulo, Brasil (2018); y Rupturas, en el Museo de Arte de Blumenau, en Blumenau, Brasil (2017). Sus trabajos han participado en muestras colectivas como: Dos Brasis: Arte y pensamiento negro, en el Sesc Belenzinho, en São Paulo, Brasil (2023); Fisionomía en contradicción, en el Museum of Northern History, en Kirkland Lake, Canadá (2022); Rocco, en el Rochester Contemporary Art Center’s International, en Nueva York, Estados Unidos (2017); Map of the New Art, en la Fondazione Giorgio Cini, en Venecia, Italia (2015); entre otras.

Además, sus obras han integrado exposiciones colectivas notables, como Mãos – 35 años de la mano afro, MAM São Paulo, Derecho a la Forma, Inhotim, 28º SARP – Salón de Arte de Ribeirão Preto y 20º Programa de Exposiciones MARP – Museo de Arte de Ribeirão Preto. Sus trabajos forman parte de las colecciones de la Fundação Bienal de Arte de Cerveira, Vila Nova de Cerveira, Portugal; Museo de Arte Contemporáneo de Rio Grande do Sul (MACRS), Porto Alegre, Brasil; Museo de Arte de Río (MAR), Río de Janeiro, Brasil; y de la Pinacoteca Municipal Pimentel Júnior, Rio Claro, Brasil.

El vocabulario sintético-poético de Edu Silva (1979, São Paulo, Brasil) se centra en dos elementos: el color y la materia. En su práctica, materiales culturalmente identificados como nobles, como el mármol y el lino, conviven con otros comúnmente considerados ordinarios, como el cartón y la pintura acrílica. El cromatismo vívido de sus pinturas, principal medio de su producción, proviene de la creación de áreas que se superponen por otras capas tonales de manera imperfecta, dejando entrever en el límite de sus formas los tiempos anteriores de su creación. En esta operación, Silva crea fisuras, capas, entre-espacios, pieles y cascarones. Sus composiciones son abstractas, pero su espacialidad inmanente inclina la percepción hacia topografías imaginarias, como si fueran paisajes y territorios desconocidos.

Las manchas cromáticas, más orgánicas que geométricas, que habitan sus lienzos, son desiguales, de modo que un color siempre predomina en el cuadro. La asimetría en la ocupación de la superficie permite lecturas políticas a través de analogías sociales sobre tensiones territoriales, sin interferir, sin embargo, en la potencia de las reflexiones de Edu Silva sobre el campo pictórico. En sus esculturas, por su parte, el artista articula el cartón y el mármol en arreglos en los cuales la fragilidad del primero es lo que confiere sustentación al segundo, cuya densidad y peso ofrecen, a su vez, un riesgo para la propia estructura. Usualmente instaladas en las esquinas de la arquitectura, estos objetos reconfiguran nuestra mirada en el espacio, convocando nuestra atención hacia sus márgenes.

Es un artista autodidacta. Utiliza la fotografía como campo de investigación y amplía su obra al audiovisual, el arte correo, la pintura y el grabado. Fotógrafo de escenas y retratos urbanos, concretos, su proceso contextual dialoga con investigaciones afrobrasileñas en varios estados brasileños. En 2016 tuvo su primer trabajo fotográfico en la colección del Centro Cultural San Pablo. En 2018, recibió la medalla de oro en el 15º Salón de Artes Visuales de Ubatuba, en la categoría instalación, utilizando fotografía con celular. Vive y trabaja en San Pablo y utiliza diferentes medios en su proceso artístico para visualizar y producir fotografía.

CK Martinelli, Inició su trayectoria en 2009, produciendo fotografía de paisajes con cámara digital. Con el paso del tiempo, comenzó a investigar y aplicar la técnica de xilografía retratando paisajes y escenas del cotidiano. Gradualmente ha venido trabajando en diversos procesos: fotografía digital, pinhole, videoarte, pintura, lambe-lambe, fotografía móvil.

Trabaja en series fotográficas, produciendo un lenguaje contemporáneo de la fotografía, y utiliza diversas características y materiales para el proceso de investigación artística.

Su investigación se divide en series fotográficas de street photography, en las cuales realiza su producción en el día a día, estando en cada lugar de la ciudad, utilizando diferentes soportes de la fotografía, ya sea lambe-lambe, fotografía de celular y fotografía con cámara digital.

Otra investigación más documental son las fotografías en las que el artista hace su investigación sobre la historia de la mano afrobrasileña y cómo la cultura afro se estructuró con el paso de los años en costumbres y señales a las cuales la sociedad está perdiendo las características de la cultura y sobre la investigación revela con su mirada esas características que están en “secreto”.

La producción de Heloisa Lodder (1969, São Paulo, SP) trata sobre las posibilidades de diálogo entre el sujeto y el medio en el que habita. Su investigación propone, a través de la fotografía, videos, intervenciones, site-specific y acciones performáticas, un tránsito entre cuestiones de identidad y memoria, entre la esfera íntima de su taller (antigua oficina en el Centro de São Paulo) y la esfera pública. Recolecta vestigios del espacio urbano, desplazados de la ciudad para desnaturalizar la mirada; siendo las ruinas de la ciudad el tema de esta investigación, en su constante recorrido por la ciudad. Actualmente, ha estado explorando “construir y reconstruir” en la naturaleza y en otros sitios, como contrapunto a la urbanización creciente — un acto de resistencia contra el borrado impuesto a la ciudad.

Desde 2018, participa en varias exposiciones y residencias artísticas, habiendo recibido premios nacionales e internacionales por sus obras.

Destacamos: European Month of Photography-EMOP Berlin; LensCulture Street Photography Awards; Festival Les Rencontres d’Arles, Francia; Minimalist Photography Awards; 19ª Edición del Programa de Exposiciones del Museo MARP 2022, Ribeirão Preto, SP; Programa de Residencia Artística #3 del Ed. Vera/Centro-SP; 5ª Temporada de Exposiciones del MAB Museo de Arte de Blumenau; Memorial Getúlio Vargas, RIO; Residencia Arte Serrinha, Bragança Paulista, SP; 47º SARP Salón de Artes de Ribeirão Preto (premio adquisición).

Posee obras en colecciones particulares y públicas, entre ellas: Museo MARP Ribeirão Preto, IMS-Instituto Moreira Salles, Acervo Rotativo.

Es el deseo de reconstruir, de mantener, de impedir el borrado de las memorias, de la historia de la ciudad y de tantas otras historias. Causado por la demolición masiva de casas antiguas en la ciudad, a favor de una especulación inmobiliaria que no cuestiona y simplemente extingue.

Tridimensionalidad de la Memoria, en su pequeña escala de impresión, acerca imagéticamente los escombros a casi piedras preciosas. Da sentido a las insignificancias del cotidiano, pertinentes a mi investigación.

Luiz 83 es el nombre artístico de Luiz dos Santos Menezes, nacido en 1983 en la ciudad de São Paulo, donde trabaja y reside actualmente. Autodidacta, su formación se desprende de la experiencia adquirida en las calles de la ciudad como “pixador”, actividad que le proporcionó el inicio de un vocabulario plástico que ha sido refinado a partir de investigaciones que el artista desarrolla con considerable inventiva en medios más convencionales como el dibujo, la pintura y la escultura. Su experiencia profesional como montador de exposiciones de arte (art handler) le ha permitido mantener un contacto íntimo con obras de carácter clásico y contemporáneo, oportunidad que ha resultado en un conocimiento sensible y asimilado.

En sus obras se percibe un concretismo de tipo peculiar y sofisticado en las soluciones formales y en los arreglos conceptuales de naturaleza pop, calidad que también se evidencia a través de un cromatismo que generalmente privilegia colores brillantes de intensa luminosidad. El artista también se ha dedicado a performances donde cuestiona el lugar social de la personas negras y tematiza la relación del cuerpo con su quehacer artístico y las interacciones con la ciudad.

Luiz 83 ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas, entre las que destacan la individual “Z” en la galería Tato y las colectivas “Tendências da Street Art no Museu Brasileiro de Escultura” y “Pretatitude: insurgências, emergências e afirmações na arte contemporânea afro-brasileira” en varios SESC de São Paulo, así como en el MAM-SP / 37º panorama da arte brasileira ‘sob as cinzas. brasas’, Prêmio pipa online / RJ, “Dos Brasis: arte e pensamento negro / SESC SP, RJ” y “Mãos – 35 anos da mão afro-brasileira (MAM-SP)”. Claudinei Roberto da Silva es el curador de algunas de estas muestras.

Artista visual, investiga as consequências das mudanças urbanas na memória individual. Utiliza a fotografia como principal linguagem, assim como a captura digital, a apropriação de imagens de jornais, fotografias antigas do acervo familiar e vernaculares para estabelecer conexões entre a memória pessoal e a coletiva. Observadora do movimento das cidades, do comportamento de seus habitantes e visitantes, extrai fragmentos do cotidiano tornando visíveis elementos geralmente despercebidos pela maioria. Participa dos grupos de estudo “Narrativas Visuais e o fotolivro” orientado por Eder Ribeiro e outro coordenado por Sylvia Wernek. Participou da Residência Artística Internacional ACHO (2021-2022) “Imagens e suas metamorfoses: feitiços e fabulações dos arquivos”, 2ª Edição. Integrante da Imersão de verão em Poéticas Visuais com Renato De Cara na GARE Cultural em São Paulo (2022). Formada no Centro Universitário Belas Artes de SP (2008), expõe em salões de arte contemporânea, galerias e espaços culturais desde 2005. Suas exposições individuais mais recentes incluem “TERRITÓRIOS” na Pinacoteca de São Bernardo do Campo, SP-Brasil; “Rua Um” no Alê Espaço de Arte, SP-Brasil; “TERRITÓRIOS” no Museu de Arte de Ribeirão Preto Pedro Manoel Gismondi (MARP), SP-Brasil, e a coletiva “Öutras Paisagens” no Museu de Arte Contemporânea (MAC) de Niterói, todas em 2024. Em 2023, “TERRITÓRIOS” foi apresentada no Centro Cultural Correios de São Paulo, Brasil. É idealizadora da Casa Contemporânea junto com Marcelo Salles.

La memoria, ya sea colectiva o individual, estructura la identidad de cada uno de nosotros. Partiendo de esta reflexión, desarrollo mi investigación con fotografías apropiadas y otras producidas por mí con cámaras analógicas y digitales. Traduzco el paso del tiempo mediante la transferencia de imágenes a papeles con diferentes gramajes, transparencias y tramas, utilizando superposiciones y/o collage.

Al observar las modificaciones en la ciudad debido al desarrollo, percibo influencias en el comportamiento de las personas, así como en la forma en que se relacionan con los demás y con su espacio de convivencia.

Considerando que la construcción de la identidad se forma a partir de las referencias y experiencias vividas a lo largo de la vida, cuando estas referencias son desplazadas o destruidas, la orientación del individuo en el tiempo y el espacio puede verse comprometida. En la mayoría de los casos, este compromiso se manifiesta de manera sutil, casi imperceptible, ya que las personas tienen la capacidad de adaptarse. Sin embargo, las experiencias son acumulativas y tienen resultados diferentes para cada individuo, pudiendo llevar a la desorientación espacial, confusión temporal, desconexión relacional y pérdida de memoria.

Sueli Espicalquis (1955, Araçatuba). Vive y trabaja en São Paulo.

Con formación en Matemáticas y Derecho, experiencia como perito criminal y jueza, y un interés por diversos conocimientos y la transdisciplinariedad, la artista está atenta a las transformaciones del mundo que la rodea. (…)

Su pintura se basa en el choque entre campos de colores y sus intersticios en la superficie del lienzo, en composiciones que evocan paisajes en conflicto. Se aplican sucesivas capas, experimentando también con diferentes materialidades, como la adición de cera de abejas, trementina o incluso la exposición de la trama del algodón crudo como componente del lienzo. Las imágenes resultan fragmentadas en una búsqueda constante por conjugar lo lleno y lo vacío, lo ruidoso y lo silencioso, lo liso y lo áspero, siguiendo el principio de la filosofía china sobre la existencia de las cosas como continentes de inseparables dos partes opuestas y contradictorias, Yin-Yang. Erica Burini, curadora.

Exposiciones destacadas: “Vida Fora de Equilíbrio” (individual), Lona Galeria, São Paulo, 2023-2024; 26º Salão de Artes Plásticas de Praia Grande (2019); Bienal das Artes, Sesc Brasília (2018); “Superfícies Possíveis” (individual), CAL-UnB, Brasília (2013).

Premios: VIII Salão de Artes Plásticas de S.J. Rio Preto (2013); 40º Salão de Arte Contemporânea de Piracicaba (2008).

Trabajo con pintura, dibujo, textiles y video. Me interesa la materialidad y la fisicalidad del color. La pintura se basa en el enfrentamiento entre campos de colores y sus intersticios en la superficie del lienzo, en composiciones que pueden remitir a paisajes en conflicto. Se aplica una sucesión de capas, experimentando también con diferentes materialidades, añadiendo cera de abeja y solventes a la pintura al óleo, o incluso exponiendo la trama del tejido de algodón componente del lienzo. Las imágenes resultan fragmentadas, en una búsqueda constante de conjugar lo lleno y lo vacío, lo ruidoso y lo silencioso, de acuerdo con el principio de la existencia de las cosas como dos partes opuestas y contradictorias, Yin-Yang, que son continentes e inseparables.

Thatiana Cardoso es una artista visual y performer con licenciatura en Artes Visuales por el Centro Universitário Belas Artes de São Paulo (2016), donde también realizó una especialización en Historia del Arte: Teoría y Crítica (2020). La artista busca problematizar el engaño y sus mecanismos, ya sea mimetizando el cuerpo humano a partir del registro de utensilios domésticos o explorando las trampas de la seducción en juegos amorosos. Su producción transita entre las artes visuales, el cine y la literatura.

Thatiana fue seleccionada para la Temporada de Proyectos del Paço das Artes (2023) y su proyecto fue aprobado en el PROAC para exposiciones inéditas en artes visuales en 2023. Recibió el premio Aldir Blanc Proyectos Inéditos en Artes Visuales en 2020 y en 2022 fue seleccionada para la sección Artista Aposta del sitio “Arte que Acontece”. Desde 2015, la artista ha participado en exposiciones y muestras de arte y cine tanto en Brasil como en el extranjero, destacándose en eventos como “Os algoritmos te trouxeram até mim. Agora, o satélite me leva até você”, Temporada de Proyectos del Paço das Artes (2023); “Nós: Arte & Ciência por Mulheres”, Paço das Artes (2023); Experimental Film & Music Video Festival, Toronto, Canadá (2023); y el 21º Festival Internacional de Cine Contis, Francia (2016).

Thatiana vive y trabaja entre São Caetano do Sul y São Paulo.

Es artista visual, diseñador e ilustrador, graduado en diseño gráfico por Belas Artes de San Pablo. Trompaz utiliza el arte como medio de expresión y crítica social, dando voz a las clases menos favorecidas, a través del proyecto Segregación Social Geográficamente Abierta (SSGE). Es uno de los artistas que participan este año en la Trienal de Tijuana (México). En 2024 participó de la exposición PIPOCA en la galería NONADA (BA), en 2023 participó de la exposición Dimensão Cidade en Casa das Rosas, entre otras.

Trompaz aborda diversos íconos contemporáneos de manera peculiar. Elementos que son cotidianos para la mayoría de la población adquieren, en sus creaciones, significados ampliados y a menudo inesperados. De este modo, nos lleva a un mundo paralelo que, curiosamente, no está fuera de nosotros sino dentro.

Las antenas de transmisión evocan cruces, quizás aquellas que cada uno de nosotros carga, mientras que las casas aparecen apiladas en conjuntos que se asemejan a islas. ¿Están amontonadas y a punto de hundirse? ¿Vendrá un barco de rescate o se necesitará una reorganización interna para la supervivencia individual y colectiva?

Las creaciones no responden. En las imágenes, el sol se derrite y la lluvia destruye. Esto ocurre en las grandes ciudades, pero también en el llamado Brasil profundo. Incluso está presente el mandacaru, que sufre pero resiste. Nada tiene un solo lado. Las ambigüedades se multiplican y desafían las miradas del observador.

Las prendas colgadas en tendederos podrían ondear suavemente con el viento, pero parece que les falta el cuerpo que las vista. ¿Quién las lleva puestas? ¿No se están convirtiendo en anónimos los habitantes de las islas, llenas de íconos pero vacías de personas con individualidad? ¿Cómo dialogan el volcán natural a punto de explotar y el metro tecnológico en movimiento?

El arte de R. Trompaz aborda estas cuestiones de manera explícita pero delicada. Sus imágenes son leones que rugen y ronronean al mismo tiempo. Crear a este nivel no es tarea fácil, y lo más desafiante es mantener este nivel en el futuro, conectando islas y manteniendo las antenas parabólicas funcionando a toda máquina en el proceso creativo.